音乐生大学为何必修舞蹈？

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这是一个非常好的问题,也是很多音乐生，特别是器乐和声乐专业的同学会有的困惑。

（图片来源网络，侵删）

答案是：不一定，但绝大多数情况下，学习舞蹈或至少具备舞蹈相关的知识和能力，对音乐生来说是极其有益，甚至是必需的。

下面我将从几个方面为你详细解释：

为什么音乐生需要学舞蹈？（舞蹈对音乐的帮助）

音乐和舞蹈自古以来就是“孪生姐妹”，两者在节奏、情感、律动和表现力上密不可分。

节奏感和律动感的基石
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- 身体是乐器： 舞蹈的本质是“用身体去演奏节奏”，通过学习舞蹈，你会更深刻地理解节奏不仅仅是手或嘴上的动作，更是全身的律动，这种“身体的节奏感”会直接转化到你演奏或演唱时的稳定性和流动性上，让你的音乐听起来更“带劲”，更有生命力。
- 对节拍的敏感度： 舞蹈需要精准地踩点，这能极大地锻炼你对节拍的敏感度，你会发现，你的视奏能力、合奏时的配合能力都会得到提升。
音乐表现力的提升
- 情感的外化： 音乐是听觉艺术，而舞蹈是视觉艺术，学习舞蹈能帮助你理解如何将抽象的音乐情感（如欢快、悲伤、激昂、缠绵）转化为具体的身体语言和姿态，当你理解了舞蹈中的“呼吸”、“延展”、“爆发”等动作时，你在演奏或演唱时就能更好地运用这些技巧来表达音乐的内涵。
- 舞台表现力： 无论是演奏乐器还是唱歌，舞台表现力都至关重要，一个懂得身体语言的表演者，更能吸引观众，舞蹈训练能让你在舞台上更自信、更舒展、更富有感染力，知道如何运用手势、步法、眼神来辅助音乐表达。
音乐剧、流行音乐等领域的硬性要求
- 如果你未来的职业方向是音乐剧、流行演唱、现代音乐或艺术指导，那么舞蹈就是必修课，在这些领域，“唱、跳、演”三位一体是基本要求，没有舞蹈基础，你将很难在这些领域找到立足之地。
- 即使是古典音乐,很多演奏家也需要在舞台上展现一定的仪态和表现力，而这些都和舞蹈训练所培养的身体控制能力息息相关。
对身体控制能力的增强

舞蹈训练能极大地提升你的核心力量、身体协调性、柔韧性和平衡感，这对于器乐演奏者（尤其是弦乐、钢琴）和歌唱家来说至关重要，良好的身体控制意味着你可以在长时间练习和演奏中避免受伤，并更轻松地完成高难度的技巧动作。
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大学里具体会怎么安排？（课程设置）

了解了舞蹈的重要性,我们再来看看大学里具体是怎么教的，这主要取决于你的专业方向：

音乐表演专业（器乐/声乐）：
- 必修课： 很多音乐学院或综合大学的音乐系，会把“形体与表演”或“舞台艺术实践”作为必修课，这门课通常不要求你学成专业的舞者，而是通过基础的芭蕾、现代舞或民族舞训练，来培养你的节奏感、身体协调性和舞台表现力。
- 选修课： 你也可以根据自己的兴趣选择舞蹈选修课，如爵士舞、街舞等，来进一步丰富自己。
音乐学专业（理论/史论方向）：
- 通常不要求必修舞蹈，课程更侧重于音乐理论、历史和分析，但学校可能会提供丰富的舞蹈选修课供你选择，以拓宽艺术视野。
音乐剧专业：
- 舞蹈是核心必修课。 这里的舞蹈训练会非常系统和专业，包括芭蕾、爵士、踢踏舞等，并且强度和要求都非常高，与声乐、表演课程并重。
舞蹈编导专业：

这属于舞蹈学院的专业,音乐生通常不会选择，但如果你对音乐和舞蹈的结合有浓厚兴趣，可以考虑辅修或跨选相关课程。

给你的具体建议

看培养方案： 最直接的方法是去你想报考的大学官网，查找你感兴趣专业的“培养方案”或“课程设置”，里面会明确列出必修和选修课程。
不要有抵触心理： 即使你觉得自己是“四肢不协调”的“音痴”，也请不要害怕，大学的形体课通常是从最基础的开始，目的是培养感觉，而不是选拔舞者，把它看作是提升你音乐综合素养的宝贵机会。
主动拥抱它： 如果学校没有开设，或者你想学得更多，可以主动去选修舞蹈社团或校外的舞蹈课程，这绝对是一项“高回报”的投资。
广义地理解“舞蹈”： 除了正式的舞蹈课，你也可以通过其他方式来“学舞蹈”。
- 多看音乐会和舞蹈演出： 观察音乐家如何用身体与音乐互动。
- 尝试即兴律动： 听音乐时，跟着感觉自由地摆动身体。
- 学习指挥： 指挥本身就是一种用身体语言来诠释音乐的“高级舞蹈”。